Tre modi di interrogare il presente, tra la paura di essere esclusi, il rapporto con le proprie radici e l’ossessione per l’immagine del corpo. Da giovedì 12 a sabato 14 novembre, sempre alle 21 al Teatro Kismet di Bari, la rassegna di danza «Esplorare 2026», ideata e curata dalla Compagnia AltraDanza con la direzione artistica di Domenico Iannone, conclude la sua edizione 2026 con tre appuntamenti di particolare rilievo, affidati a Roberto Zappalà, alla compagnia sudcoreana Goblin Party e a Enzo Cosimi. Tre esperienze artistiche differenti, che spaziano dalla ricerca coreografica italiana alla rilettura contemporanea delle tradizioni orientali, fino a un confronto con Shakespeare e con alcuni dei linguaggi visivi più influenti del Novecento.
Gli spettacoli sono a pagamento. I biglietti sono disponibili sul circuito Vivaticket e, nelle serate degli eventi, al botteghino del Teatro Kismet di Bari. Per informazioni: 349.557.62.04, www.altradanza.com.
Giovedì 12 novembre, alle 21, con «FOMO (l’insostenibile pesantezza dell’essere)», spettacolo di Roberto Zappalà, prodotto da Scenario Pubblico – Compagnia Zappalà Danza/CZD2, Centro di Rilevante Interesse Nazionale. Il titolo richiama l’acronimo inglese Fear of Missing Out, la paura di essere tagliati fuori da qualcosa di importante, un sentimento sempre più diffuso in una società nella quale la necessità di mostrarsi, partecipare e condividere rischia di trasformarsi in un’ossessione.
Lo spettacolo nasce dal recupero di una precedente creazione del coreografo siciliano, «Instrument 3: cage sculpture», realizzata nel 2009 come terza tappa del progetto «Instruments», dedicato al rapporto tra corpo e strumenti musicali. In quell’occasione il punto di partenza era il tamburo, utilizzato per indagare le possibilità ritmiche e fisiche della danza. A distanza di diciassette anni, Zappalà riprende il lavoro e lo rilegge alla luce delle inquietudini contemporanee, accentuandone la dimensione psicologica e sociale.
Al centro della nuova versione c’è il bisogno di indossare maschere per poter essere riconosciuti e accettati.
Ogni maschera diventa uno schermo, capace contemporaneamente di nascondere e rivelare: un filtro tra l’individuo e gli altri, tra il corpo reale e la sua rappresentazione. La continua esposizione di sé, soprattutto negli spazi virtuali, può così generare nuove forme di isolamento. Nel tentativo di sfuggire alla solitudine, si rischia di entrare in un’altra gabbia, forse ancora più difficile da riconoscere.
Il sottotitolo «L’insostenibile pesantezza dell’essere» deriva da una ricerca sulle modalità espressive di pazienti affetti da nevrosi e paranoia: uno di loro utilizzò proprio questa formula per descrivere la propria condizione. La coreografia affronta dunque il peso delle ossessioni, delle paure e delle aspettative sociali, ma cerca anche una possibilità di liberazione nella relazione fisica tra i danzatori. È nello stare insieme, nel condividere il movimento, che può aprirsi uno spiraglio per uscire dall’isolamento.
A interpretare lo spettacolo saranno Ismaele Buonvenga, Marco Di Dato e Vanessa Lisi. Le musiche originali sono di Paula Matthusen e Stefano Simmaco, affiancate da composizioni di John Cage e Nino Rota. La drammaturgia è di Nello Calabrò, mentre Roberto Zappalà firma anche scene, luci e costumi.
Venerdì 13 novembre, sempre alle 21, al Teatro Kismet toccherà a «C’era una volta» («Once Upon a Time») della compagnia sudcoreana Goblin Party, in collaborazione con l’Istituto Culturale Coreano. È uno degli appuntamenti internazionali più attesi della rassegna, con una formazione che ha ottenuto numerosi riconoscimenti in patria e all’estero, distinguendosi per un linguaggio coreografico capace di coniugare tradizione, invenzione scenica e un rapporto diretto con gli spettatori.
La compagnia prende il nome dai dokkaebi, creature fantastiche della tradizione popolare coreana, dotate di poteri straordinari ma anche di un carattere dispettoso e imprevedibile. Un riferimento che racconta bene lo spirito del gruppo: Goblin Party non ha un unico coreografo di riferimento, perché tutti i componenti partecipano alla creazione degli spettacoli, contribuendo alla costruzione delle immagini, dei movimenti e delle situazioni teatrali. La dimensione collettiva è quindi parte integrante della sua identità artistica.
Diretto da Lim Jinho, «C’era una volta» coinvolge tre danzatori e due strumentisti in una performance di circa un’ora che recupera oggetti, costumi, personaggi e forme espressive profondamente radicati nella cultura coreana. In scena compaiono l’hanbok, l’abito tradizionale, i ventagli, le pipe, i caratteristici cappelli realizzati in bambù e crine di cavallo, insieme ai richiami al pansori, forma di narrazione cantata, e agli yangban, la classe aristocratica della Corea storica.
Questi elementi non vengono riproposti come semplici testimonianze del passato. Gli interpreti li smontano, li trasformano e li ricompongono, attribuendo loro significati nuovi. Un cappello, un abito o un oggetto quotidiano possono diventare il punto di partenza di un’immagine coreografica, di una situazione ironica o di una scena inattesa. Danza, canto e recitazione si alternano in un racconto che procede per invenzioni, accostamenti e cambiamenti di prospettiva, lasciando emergere la vitalità di una tradizione tutt’altro che immobile.
Lo spettacolo può essere letto anche come un rito contemporaneo dedicato agli antenati, a coloro che hanno tramandato gesti, racconti e simboli alle generazioni successive. Ma il rispetto per questa eredità non esclude la libertà di giocare con essa, di modificarla e persino di osservarla con umorismo. È proprio questa capacità di coniugare memoria e leggerezza a caratterizzare il lavoro di Goblin Party, che coinvolge il pubblico nella riscoperta di un patrimonio culturale attraverso gli strumenti della danza contemporanea.
«C’era una volta» è stato inserito nel 2016 tra i cinque migliori spettacoli dell’anno dalla Korean Dance Critics Association e selezionato come opera eccellente nell’ambito del programma di sostegno alla creazione coreografica del Korea Arts Council. Tra gli altri riconoscimenti ottenuti dalla compagnia figurano il premio «Giovane artista dell’anno» del Ministero della Cultura, Sport e Turismo coreano nel 2017, il premio della giuria al concorso internazionale Masdanza in Spagna e, più recentemente, il Premio Sangnoksu di ASSITEJ Korea nel 2025.
La chiusura di «Esplorare 2026», sabato 14 novembre alle 21, sarà affidata alla Compagnia Enzo Cosimi con «Venere vs Adone», creazione del 2024 nella quale Enzo Cosimi rilegge il celebre poemetto di William Shakespeare dedicato all’amore non corrisposto tra la dea Venere e il giovane Adone. Dopo il progetto «Orestea | Trilogia della vendetta», il coreografo romano torna a confrontarsi con un grande testo della tradizione, costruendo un mosaico di riferimenti letterari, visivi e performativi nel quale il mito incontra le ossessioni della contemporaneità.
Nel racconto shakespeariano Venere è dominata da una passione incontenibile per Adone, che invece respinge le sue avances e preferisce dedicarsi alla caccia. Cosimi sposta questa opposizione su un terreno decisamente attuale: Adone non è più soltanto il giovane attratto dal mondo selvatico, ma un corpo atletico, modellato e perfezionato, ossessionato dalla propria immagine. La sua attenzione non è rivolta alla dea che lo desidera, bensì alla costruzione di sé, alla trasformazione del corpo in una macchina scultorea da esibire.
Venere, al contrario, è una figura lacerata dal sentimento, che tenta disperatamente di accendere il desiderio di Adone. Tra i due si sviluppa una tensione fatta di attrazione, rifiuto, dolore e violenza, nella quale l’amore perde ogni connotazione rassicurante e assume una dimensione istintiva, quasi ferale.
La drammaturgia, firmata da Enzo Cosimi insieme a Maria Paola Zedda, intreccia il poemetto shakespeariano con due riferimenti fondamentali dell’arte contemporanea. Da una parte c’è Andy Warhol, con il suo immaginario pop e la trasformazione del corpo in oggetto di consumo, seduzione e mercificazione; dall’altra la pittrice sudafricana Marlene Dumas, con le sue figure attraversate da una sensualità inquieta, da colori violenti e da una forte tensione emotiva.
Questi due universi visivi entrano in conflitto sulla scena. L’immagine levigata, quasi impenetrabile, di Adone si contrappone all’esuberanza di Venere, al suo desiderio di possesso e alla sofferenza che ne deriva. La danza dà forma a corpi che eccedono i confini convenzionali, si trasformano, si deformano e mettono in discussione i modelli dominanti di bellezza e identità. È una ricerca che appartiene da sempre al percorso di Cosimi, particolarmente attento all’universo queer, alle identità non conformi e a tutto ciò che sfugge alle classificazioni prestabilite.
Nel suo «Venere vs Adone» anche il rapporto con la natura assume un carattere ambiguo. L’elemento animale e selvatico non è più soltanto uno sfondo del mito, ma una forza capace di modificare i personaggi, di incrinare la loro apparente stabilità e di riportarli a una dimensione arcaica, istintiva e dionisiaca. La bellezza del corpo convive con la sua fragilità, il desiderio con la distruzione, l’immagine perfetta con la possibilità della morte.
A interpretare la creazione sono Alice Raffaelli e Leonardo Rosadini, quest’ultimo anche athletic coach, chiamati a dare corpo alle due figure del mito in una scrittura scenica che alterna tensioni fisiche, immagini pop e suggestioni più primitive. Enzo Cosimi firma regia, coreografia, scene, video e sound design; la drammaturgia è di Maria Paola Zedda ed Enzo Cosimi.
